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| Gene Krupa, um dos maiores bateristas de todos os tempos |
- Caixa ou tarola (snare drum): montada em um suporte, colocada entre os joelhos do baterista e tocada com baquetas (que podem incluir vassourinha (brushes) ou baquetas de madeira (drumstick) ou plástico (rod stick)). Além disso uma das característica principais é a esteira que possui na parte inferior da pele de resposta; [1]
- Bumbo ou bombo (bass drum): tocado por um pedal operado pelo pé, que move um batedor coberto de feltro, madeira, lã ou plástico; [2]
- Tom-Toms: Tambores médio-grave que tornam o kit mais percussivo. Podemos encontrar kits tanto com apenas um tom como com diversos toms; [3]
- Surdo (floor tom): tambor grave que tem a mesma caracteristica dos tom toms, enrtetanto com frequência bastante baixa; [4]
- E, para finalizar, os pratos que sevem para colorir no momento do play. Existem vários tipos de prato, os principais são:
- Chimbal, contratempo ou chipô (hi-hat): são dois pratos (um paralelo ao outro para que aconteça a vibração de ambos) montados em um suporte (maquina de hi-hat), quando tocado com as baquetas possuem um som fechado (pressionando o pedal para baixo), semiaberto e aberto (levantando o peito do pé). Além do som produzido com a baqueta, também temos o som da vibração dos pratos quando abaixamos e levantamos rapidamente o peito do pé. Existe também um técnica que se usa quando não está conduzindo no hi-hat chamada técnica de gangorra; [5]
- Prato de ataque (crash cymbal): são usados para produzir um som alto e cortante, utilizado geralmente para determinadas acentuações nas músicas. São montados em uma estante para pratos e percutidos com as baquetas. Surgido há milênios, fazem parte de diversas culturas. Passaram a ser usado em bandas modernas um pouco antes da criação da bateria dando uma sonoridade forte e marcante sendo executados nos acentos de uma passagem musical ou frase melódica/harmônica ou apenas para colorir a música; [6]
- Prato de condução (ride cymbal): como o próprio nome acusa, serve para conduzir. Além do ride, o hi-hat também é considerado pratos de condução, pois antes mesmo de se conduzir no ride era feito no hi-hat. É um prato padrão na maioria dos kits de bateria, mantém um padrão rítmico constante. Foi criado para tocar bebop, estilo de jazz muito popular nas décadas de 1940 e 1950; [7]
- Prato de efeito (sizzle cymbal): são pratos ao qual foram adicionados rebites, correntes ou chocalhos para modificar o som, preso por meio de orifícios perfurados no prato ou por meio de um acessório conhecido como sizzler. Estes chocalhos têm dois efeitos principais no tom do prato: o mais obvio, o som da "lavagem" do prato é feito mais alto e mais penetrante, e é dominado pelo som dos próprios chocalhos. Também importante, mas menos óbvio, o prato perde um pouco de sua sustentação e alcance dinâmico, porque sempre que não há energia suficiente no prato para levantar os chocalhos, o som corta bruscamente. Ambos os efeitos têm usos musicais e também podem ser usados para mascarar sobretons indesejáveis em pratos de menor qualidade. No entanto, os melhores resultados ainda são geralmente obtidos com pratos de alta qualidade; [8]
- Prato de corte ou prato de respingo (splash cymbal): assim como o sizzle cymbal, serve para efeitos, produzindo um som característico bastante marcante e cortante, porém em menor escala de duração. Seu surgimento é um tanto desconhecido. Existe os mais diversos tamanhos para que se tenha diversas sonoridades; [9]
- Prato china ou prato chinês (china cymbal): foram projetados para produzir um tom brilhante, nítido e explosivo. É por essa razão que eles foram apelidados de "pratos de lixo" (trash cymbal). O termo prato china é derivado de sua similaridade no som e na forma dos gongos chineses. Eles são mais frequentemente montados de cabeça para baixo em estandes de pratos, permitindo que sejam mais facilmente atingidos e para um melhor som. [10]
Muitos bateristas estendem seus kits a partir dessa configuração básica, adicionando mais pratos e muitos outros instrumentos de percussão (cowbell, jam block, tamborin, bongô, etc). Em alguns estilos de música, extensões específicas são normais. Por exemplo, os bateristas de rock e heavy metal usam um segundo bumbo. Alguns bateristas progressivos podem incluir percussão orquestral, como gongos e sinos tubulares em sua sonda. Alguns bateristas podem ter outras funções na banda, como o fornecimento de vocais de backup ou, menos comumente, vocais principais.
Desenvolvimento Histórico
Antes do desenvolvimento da bateria, os tambores e pratos usados nas configurações de música militar e orquestral eram tocados separadamente por diferentes percussionistas; se a partitura pedisse bumbo, triângulo e pratos, três percussionistas seriam contratados para tocar esses três instrumentos. Na década de 1840, os percussionistas começaram a experimentar pedais para permitir que tocassem mais de um instrumento, mas esses aparelhos não seriam produzidos em massa por mais 75 anos. Na década de 1860, os percussionistas começaram a combinar vários tambores em um conjunto, isso quer dizer que o bumbo, a caixa, os pratos e outros instrumentos de percussão eram todos tocados com baquetas. Bateristas em shows de teatro musical e shows de palco, onde o orçamento para orquestras foram muitas vezes limitadas, contribuíram para a criação da bateria, ajudando a desenvolver técnicas e dispositivos que lhes permitissem cobrir os papéis de múltiplos percussionistas.
William F. Ludwig e seu irmão, Theobald Ludwig, fundaram a Ludwig & Ludwig Co. em 1909 e patentearam o primeiro sistema de pedal do bumbo com sucesso comercial, abrindo o caminho para o moderno kit de bateria.
Na Primeira Guerra Mundial, os kits de bateria eram frequentemente bumbos militares no estilo banda marcial, com muitos itens de percussão suspensos em torno deles. Os kits de bateria tornaram-se uma parte central do jazz, especialmente Dixieland. O moderno kit de bateria foi desenvolvido na era do vaudeville durante a década de 1920 em Nova Orleans.
Restrições orçamentárias e considerações de espaço em orquestras de poesias de teatro musical levaram bandleaders (líderes de banda) a pressionar menos percussionistas para cobrir mais partes da percussão.
Em 1918, Baby Dodds, músico em barcos fluviais com Louis Armstrong no Mississippi, modificava a configuração de marchas militares e experimentava tocar as bordas do tambor em vez de blocos de madeira, batendo pratos com paus (1919), o que ainda não era comum, e acrescentou um prato lateral acima do bumbo, o que ficou conhecido como o prato de condução. O fabricante de tambores William Ludwig desenvolveu o hi-hat, montado logo depois de observar a bateria de Dodd. Ludwig notou que Dodd batia com o pé esquerdo o tempo todo. Dodds fez com que Ludwig criasse os hi-hats de 9 polegadas a mais para facilitar durante a execução do baterista, criando assim o moderno prato de hi-hat. Dodds foi um dos primeiros bateristas a tocar a batida tercinada que se tornou o padrão e o ritmo de tocar um prato moderno. Além disso, ele popularizou o uso de pratos chineses. A tecnologia de gravação era grosseira e sons altos podiam distorcer a gravação, então Dodds evitou os pratos atingindo blocos de madeira e as bordas de seus tambores em vez das peles.
Na década de 1920, bateristas freelancers eram contratados para tocar em shows, concertos, teatros, clubes e dançarinos de apoio e músicos de vários gêneros. Assim como os bateristas modernos têm muitos papéis diferentes, o mesmo aconteceu com os bateristas dos anos 1920. Um papel importante para os bateristas na década de 1920 é o que se refere nos tempos modernos como "artista foley", baterista contratado para fazer os efeitos sonoros (o nome foley é uma homenagem ao artista desenvolvedor de muitos efeitos sonoros na época do cinema mudo Jack Foley). Durante os filmes mudos, uma orquestra foi contratada para acompanhar o filme que se passava e o baterista foi responsável por fornecer todos os efeitos sonoros, tocavam instrumentos para imitar tiros, aviões sobrevoando, um trem entrando em uma estação, cavalos a galope, etc.
Bateria de Big Band
Em 1929, quando a quebra do mercado de ações resultou em uma depressão global, uma das coisas que ajudaram as pessoas a lidar com os anos difíceis foi "balançar ao som do jazz". No início da década de 1930, o swing foi adotado nos EUA, tornando-se a forma de música mais popular do país. O outro fator que contribuiu para o sucesso das big bands durante a década de 1930 foi a popularidade da rádio. O kit de bateria desempenhou um papel fundamental no som do swing da big band. Ao longo da década de 1930, Chick Webb e Gene Krupa no Savoy Ballroom, no Harlem, aumentaram a força visual e musical do baterista e de seus equipamentos simplesmente por serem tão populares e bastante procurados, e garantiram que seus kits de bateria se tornassem não apenas funcionalmente desenvolvidos, mas deslumbrante e bem desenhado. Os bateristas de jazz foram influentes no desenvolvimento do conceito do moderno kit de bateria e na extensão das técnicas de execução.
Como a música do mundo estava evoluindo, o mesmo aconteceu com a bateria. Tom-toms, pequenos pratos de bateria, pratos chineses e pratos de hi-hat foram adicionados à bateria. Os hi-hats foram o principal meio de os bateristas da era da big band manterem o tempo. Antes de 1930, enquanto tocavam o jazz de Nova Orleans e os estilos de Chicago, os bateristas sufocavam o prato no "e" das colcheias como uma alternativa para tocar um buzz roll, a borda da bateria ou nos blocos de madeira para manter o tempo. Este método de silenciamento de tempo bloqueando o estrondo dos pratos china provaram ser desajeitado, então os bateristas daquela época tiveram a ideia de ter um prato operado pelo pé. Isso resultou na criação do prato operado pelo pé permitindo que os bateristas tocassem as colcheias entre o pé direito e o esquerdo.
No final da década de 1920, foram introduzidas variações dos hi-hats. Uma das variações mais populares foi chamada de "pratos de meia de mão". A razão para o nome "hi-hat" foi porque as versões anteriores eram chamadas de "low boy" (menino baixo). Essa evolução permitiu que os bateristas tocassem os dois pratos com baquetas, controlando simultaneamente aberto ou fechado com o pé. O pedal também podia ser usado para tocar os pratos com o pé sozinho, enquanto a mão direita tocava outros tambores. Na década de 1930, Ben Duncan e outros popularizaram kits de bateria que levaram a um padrão básico: bumbo, caixa, tom-tom e surdo.
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| Jo Jones, desenvolvedor de muitas coisas que é usada até hoje no jazz |
No início dos anos 1940, muitos músicos de jazz, especialmente músicos afro-americanos, começaram a se afastar das populares big bands dos anos 1930. Sua experimentação e busca por uma expressão mais profunda e liberdade no instrumento levou ao nascimento de um novo estilo de música baseado no Harlem chamado música bebop. Enquanto o swing era uma música popular projetada para dançar, o bebop era uma "música de músico" projetada para ouvir. Durante a era do bebop, dado que as bandas não precisavam mais acompanhar os dançarinos, os bandleaders podiam acelerar o ritmo. O bebop foi muito mais baseado na improvisação, em comparação com a fortemente organizada big band. Os músicos do Bebop adotariam um padrão antigo e reescreveriam a melódia, adicionando mudanças de acordes mais complexas, resultando em uma nova composição.
Bateristas de swing como Max Roach e Kenny Clarke já havia se desviado dos grandes bumbos estilo band marcial, descobrindo que eles eram muito altos e barulhentos. Os bateristas de bebop continuaram essa tendência e começaram a experimentar tamanhos menores de bumbos na bateria. As experimentações dos bateristas de bebop com novos tamanhos de bateria e novos sons levaram ao conceito inovador de aplicar os ritmos de bumbo ocupados por "quatro no chão" a um novo prato maior chamado de prato de condução. Concentrando-se em manter o tempo no novo prato de condução em vez do bumbo, a "sensação" passou do bumbo e peso do hi-hat, para uma sensação melódica mais leve que foi explicada como "flutuando no topo do tempo". Isso permitiu que os bateristas se expressassem de uma maneira mais melódica tocando os ritmos usados pelos guitarristas, pianistas e saxofonistas usando os novos tambores e caixas de som menores e mais focados. Louie Bellson também contribuiu na bateria e nos sons inovadores da bateria de 1940, sendo pioneiro no uso de dois bumbos.
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| Billy Cobham, um dos criadores do jazz fusion |
Jazz fusion é um gênero musical desenvolvido nos anos 1960, que mistura jazz com rock, funk, R&B, Latin jazz, etc. Os anos de 1970 foram o período mais produtivo para o estilo, embora o fusion tenha prosseguido com uma produção expressiva, sobretudo no final do século XX e início do século XXI, com reedições de álbuns clássicos de fusion e a gravação do estilo por artistas do jazz tradicional.
O termo jazz-rock é frequentemente usado como sinônimo de jazz fusion, bem como a música tocada pelas bandas de rock da década de 1960 e da década de 1970 que adicionaram elementos de jazz à sua música. Após uma década de popularidade durante a década de 1970, o fusion expandiu suas abordagens improvisadas e experimentais na década de 1980, em paralelo com o desenvolvimento de um estilo amigável ao rádio chamado smooth jazz. A experimentação continuou nos anos 1990 e 2000. Os álbuns fusion, mesmo aqueles que são feitos pelo mesmo grupo ou artista, podem incluir uma variedade de estilos musicais. Em vez de ser um estilo musical codificado, a fusão pode ser vista como uma tradição ou abordagem musical.
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| John Bonham, um dos maiores nomes da bateria |
Com o rock and roll se encaixando, um momento divisor de águas ocorreu entre 1962 e 1964, quando The Surfaris lançaram "Wipe Out", bem como quando Ringo Starr dos Beatles tocou seu kit Ludwig na televisão americana. À medida que o rock passou das casas noturnas e bares para os estádios nos anos 60, havia uma tendência para kits de bateria maiores. A tendência em direção a kits de bateria maiores tomou impulso na década de 1970 com o surgimento do rock progressivo. Na década de 1980, bateristas muito populares como Billy Cobham, Carl Palmer, Nicko McBrain, Phil Collins, Stewart Copeland, Simon Phillips e Neil Peart estava usando um grande número de tambores e pratos. Nos anos 80, alguns bateristas começaram a usar bateria eletrônica.
Muitos bateristas, senão todos, continuaram a tradição usando uma variedade de instrumentos auxiliares de percussão e nos final dos anos 1970 alguns incorporaram bases eletrônicas como parte de seus kits de bateria. Os mais populares podemos inclui: módulos de som eletrônicos, computadores portáteis utilizados para ativar loops , sequências e amostras, metrônomos e medidores de tempo, aparelhos de gravação e equipamentos de reforço de som pessoal (por exemplo, um pequeno sistema de PA para amplificar baterias eletrônicas e fornecer um monitor).
Componentes
O kit de bateria pode ser dividido em quatro partes:
- Breakables: baquetas, vários pratos, tarola, banqueta e às vezes o pedal do bumbo.
- Shells: bumbo e toms.
- Extensões: cowbell, pandeiro, sinos, qualquer outro instrumento que não faz parte do kit padrão.
- Hardware: Suportes de pratos, bases de tambor, pedais.
A caixa e os pratos são o núcleo das breakables, pois são componentes particularmente críticos e individuais do kit padrão, de várias maneiras relacionadas. Os toms variam muito de baterista para baterista, refletindo seus estilos individuais e os estilos de música que tocam. Assim, até os bateristas do mesmo gênero musical podem preferir uma marca ou tamanho diferente de caixa. A caixa muitas vezes não combina com o kit, por exemplo, sendo uma shell de metal ou madeira lisa em um kit onde os outros tambores estão em um acabamento correspondente. Os bateristas tendem a passar mais tempo tocando a caixa e os pratos do que os outros tambores.
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Fonte: Wikipédia
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